Quelles sont les 7 plus belles œuvres de Vassily Kandinsky ?

Vassily Kandinsky était un peintre du XXe siècle qui a été l'un des premiers à développer l'art abstrait pur. Ses peintures sont caractérisées par des couleurs audacieuses et débridées et des coups de pinceau énergiques. Kandinsky pensait que la couleur pouvait être utilisée pour exprimer des émotions et transmettre des messages spirituels. Il a dit un jour : "La couleur est le clavier, les yeux sont les marteaux, l'âme est le piano aux nombreuses cordes. L'artiste est la main qui joue, touchant une touche ou une autre, pour provoquer des vibrations dans l'âme." L'utilisation pionnière de la couleur et de l'abstraction par Kandinsky a contribué à façonner le cours de l'art moderne. Ses peintures sont toujours réputées pour leur dynamisme et leur puissance. Découvrez ci-dessous sept de ses plus belles peintures abstraites.

Le suprématisme était un mouvement artistique russe axé sur la représentation de formes géométriques de base dans une gamme limitée de couleurs. Jaune-Rouge-Bleu, peint par Kandinsky pendant son séjour au Bauhaus, peut être considéré comme une symphonie qu'il a créée en fusionnant son style avec les techniques du Bauhaus et les idées suprématistes. Le Bauhaus était une école d'art moderniste en Allemagne qui a eu une influence majeure sur l'art du 20e siècle, et où Kandinsky a enseigné de 1922 à 1933.

L'œuvre peut être divisée en deux parties, avec des formes géométriques et des couleurs vives à gauche et des formes abstraites et des couleurs sombres à droite. Comme le suggère le titre de la peinture abstraite, Kandinsky a principalement utilisé les trois couleurs primaires, le jaune, le rouge et le bleu.

L'amalgame de bleu, de rouge, de noir, de jaune, de violet, que l'on voit tout au long du tableau, justifie à nouveau la vision du peintre de la musique en couleurs, chaque nuance apportant une émotion différente.

Date de l'œuvre : 1925
Dimensions originales : 128 × 201,5 cm
Lieu de conservation : Centre Georges Pompidou, Paris, France

Bien que ce tableau abstrait soit très différent des autres œuvres de Kandinsky des premières années du 20e siècle, Cercles dans un cercle reflète sa conviction inébranlable que certaines formes et couleurs représentent des émotions qui peuvent être codées et rassemblées en un tout, qui est le reflet de l'unité de l'univers.

Vingt-six cercles entrecroisés, de tailles et de nuances différentes, sont entourés par le cercle noir et plusieurs d'entre eux sont reliés par des lignes noires droites. Deux faisceaux de lumière jaune et bleue émanant des coins supérieurs se croisent en direction du centre et modifient les couleurs des cercles lorsqu'ils se rencontrent.

L'artiste déclare : "Un cercle est une combinaison des opposés les plus extrêmes. Combiner l'excentrique et le concentrique en une seule forme et l'équilibrer avec une autre". Le cercle extérieur noir, comme s'il s'agissait de la deuxième image, nous fait nous concentrer sur l'interaction entre les cercles intérieurs ainsi que sur deux bandes diagonales qui se croisent pour augmenter l'effet donnant de la perspective à la composition.

Date de l'œuvre : 1923
Dimensions originales : 98.7 cm × 95.6 cm
Lieu de conservation : Philadelphia Museum of Art

Point de repère de l'art moderne du 20e siècle, cette œuvre montre diverses formes géométriques avec une combinaison de couleurs étonnante. Kandinsky a utilisé le blanc pour symboliser la paix, le silence et la vie. Le noir utilisé dans ses œuvres suggère l'absence de possibilités. On pense que cette peinture symbolise les possibilités qu'offre la vie, le noir représentant la mort et la façon dont ces possibilités peuvent être perdues. Le blanc symbolise également la paix, tandis que le noir est utilisé pour symboliser l'absence de toute chose. Kandinsky a fréquemment utilisé des motifs géométriques dans ses œuvres des années 1920 et du début des années 1930. Sur Blanc II est l'une de ses peintures géométriques abstraites les plus connues.

Date de l'œuvre : 1923
Dimensions originales : 105 cm x 98 cm
Lieu de conservation : Centre Georges Pompidou, Paris, France

Cette œuvre abstraite est une recherche presque scientifique où les pensées, l'imagination et les effets chromatiques se rencontrent dans une aquarelle. Étude de couleurs, carrés avec cercles concentriques est considéré comme l'une des peintures les plus connues de Kandinsky.

Selon l'artiste, la couleur était l'âme profonde de l'image et pas seulement son attribut comme la plupart des gens le pensent. D'où le désir d'étudier le contenu émotionnel de l'expression chromatique, par la mise en œuvre de nombreuses expériences : dans ce cas, l'objectif de Kandinsky était de tester différentes combinaisons de couleurs pour évaluer leur perception différente sur l'observateur.

Date de l'œuvre : 1913
Dimensions originales : 23.9 cm X 31.6 cm
Lieu de conservation : Lenbachhaus, Munich, Germany

Composition IV a été achevée en 1911 et fait partie d'une série de dix tableaux. Kandinsky a utilisé des couleurs vives et opposées pour créer une impression esthétique, métaphysique et psychologique sur le spectateur. Dans le coin supérieur gauche de l'image, deux envahisseurs brandissent des coutelas. À droite, cinq envahisseurs armés de lances et un autre armé d'une épée sont debout sur une colline bleue surmontée d'un bâtiment.

Un arc-en-ciel au centre-gauche de l'image représente une passerelle. Des lignes noires soulignent les jaunes et les nuances de rouge. L'art de Kazimir Malevich mettait en scène des idées communes. Des lignes acérées de différentes épaisseurs se juxtaposent aux couleurs plus douces utilisées dans le tableau, et deux lignes verticales semblent diviser l'arrangement.

Date de l'œuvre : 1911
Dimensions originales : 159cm x 250 cm
Lieu de conservation : Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Composition VII est le point culminant des années du Cavalier bleu de Kandinsky, car il s'agit, selon lui, de la pièce la plus complexe qu'il ait jamais peinte. Comme les compositions qui l'ont précédée, la peinture dégage une impression de spiritualité, à l'instar du reste de l'œuvre de Kandinsky. Il cherchait à créer le sentiment d'une connexion spirituelle entre lui et ses spectateurs à travers la peinture - d'une manière qui crée des sentiments similaires des deux côtés. Alors que cette peinture peut sembler être de simples éclaboussures de couleurs et de formes, Kandinsky voyait une signification dans chaque couleur, et il les a assemblées pour servir une fin précise.

Kandinsky a créé plus de 30 croquis durant plusieurs mois avant de la peindre, ce qu’il a fait en quatre jours. On pense que le tableau fait allusion aux thèmes apocalyptiques du Déluge, du Jugement dernier, de la Résurrection et du Paradis. Kandinsky la considère comme son œuvre abstraite la plus complexe. Ouragan tourbillonnant de couleurs et de formes, Composition VII est considérée par les amateurs d'art abstrait comme le tableau le plus important du genre et la peinture la plus célèbre de Vassily Kandinsky.

Date de l'œuvre : 1913
Dimensions originales : 190 cm x 275 cm
Lieu de conservation : Galerie Tretyakov, Moscou

Composition VIII présente des éléments géométriques et des lignes dessinées avec précision. Le fond clair est constitué de halos de couleurs qui créent une surface uniforme. Le grand cercle sombre émerge parmi les autres figures tandis que d'autres ronds de plus petites dimensions sont éparpillés sur la surface et chevauchent les autres formes. Vers le centre, deux formes triangulaires enferment une partie de la surface mais laissent leur base ouverte. La forme représentée par la demi-circonférence est répétée vers le centre dans différentes positions.

Dans le coin droit, six lignes se croisent pour former une grille carrée tandis que d'autres lignes interagissent dans les différentes parties de l'œuvre abstraite. D'autres lignes courbes sont presque parallèles en haut. D'autres s'enroulent plutôt autour d'une ligne droite. Certains cercles sont entourés de lignes noires tandis que d'autres sont décrits par de simples couleurs.

Date de l'œuvre : 1923
Dimensions originales : 140 cm x 201 cm
Lieu de conservation : Solomon R. Guggenheim Museum