Quels sont les 7 plus beaux tableaux de Claude Monet ?

Claude Monet était un célèbre peintre impressionniste français du XIXe siècle, connu pour son utilisation radicale de la lumière et de la couleur pour créer de magnifiques compositions centrées sur la nature. Né en 1840, il a commencé à peindre à un jeune âge, vendant ses premières œuvres alors qu'il entrait à l'École des Beaux-Arts en 1869. Il a rencontré d'autres peintres qui allaient bientôt être connus sous le nom d'impressionnistes, tels que Paul Cézanne et Vincent Van Gogh, se joignant souvent à eux en plein air (peinture en plein air) pour trouver de l'inspiration et du matériel de référence. Ses coups de pinceau uniques et sa perspicacité dans les effets de la lumière ont provoqué de nombreux changements dans l'art, avec des nuances de plus en plus claires, des couleurs cassées, des coups de pinceau plus courts et un accent mis sur le naturalisme - tous faisant partie du nouveau mouvement connu sous le nom d'impressionnisme. Bien que l'accueil des critiques n'ait pas été positif au départ, Monet est rapidement devenu l'un des peintres les plus influents de son temps et est encore vénéré aujourd'hui pour avoir changé de façon permanente la façon dont l'art est créé et perçu aujourd'hui, inspirant des générations d'artistes qui l'ont suivi.

Ce célèbre tableau, Impression, soleil levant, a été créé à partir d'une scène dans le port du Havre. Monet dépeint une brume, qui fournit un arrière-plan brumeux à l'œuvre se déroulant dans le port français. Les teintes orangées et jaunes contrastent brillamment avec les navires sombres, dont peu de détails, voire aucun, sont immédiatement visibles par le public. C'est une œuvre frappante et candide qui montre les petits bateaux au premier plan presque propulsés par le mouvement de l'eau. Ce résultat a été obtenu, une fois de plus, par des coups de pinceau distincts qui font également apparaître diverses couleurs " scintillant " sur la mer. Bien qu'il soit loué pour son utilisation des couleurs afin de dépeindre la profondeur tout en mettant en valeur tous les détails, c'est le fait qu'il ait inspiré le nom du mouvement impressionniste qui l'a rendu célèbre dans le monde entier.

Date de l'œuvre : 1872
Dimensions originales : 48 × 63 cm
Lieu de conservation : Musée Marmottan Monet, Paris

Au cours des deux dernières décennies de sa carrière, Monet s'est consacré sans relâche à la peinture du célèbre bassin aux nénuphars qu'il avait conçu et cultivé dans sa maison de Giverny. Dans une toile extraordinaire après l'autre, il a capturé les relations constamment changeantes entre l'eau, les reflets, l'atmosphère, les fleurs et la lumière qui transformaient la surface de l'étang à chaque instant. Ces tableaux désormais iconiques affirment la croyance de longue date de Monet dans la primauté de la vision et de l'expérience, mais ils le font dans un langage pictural tout à fait nouveau et transformateur, même selon les normes du nouveau siècle. Les premières toiles de la série ont été immédiatement acclamées lorsque Monet les a exposées en 1909. Les toiles des Nymphéas à partir de 1914, en revanche, étaient plus grandes, plus audacieuses et beaucoup plus personnelles. Elles se sont révélées autoritaires et visionnaires seulement deux décennies après la mort de Monet, alors que l'expressionnisme abstrait américain triomphait sur la scène artistique internationale.

Date de l'œuvre : entre 1897 et 1920
Dimensions originales : variées
Lieux de conservation : Nombreux musées, dont Musée de l’Orangerie, Philadelphia Museum of Art et Metropolitan Museum of Art, New York

Claude Monet a peint une série de tableaux du Palais de Westminster, siège du Parlement britannique, lors de ses séjours à Londres entre les années 1900 et 1905. Les tableaux ont tous la même taille et le même point de vue, la fenêtre de Monet à l'hôpital St Thomas donnant sur la Tamise. Ils sont cependant peints à différents moments de la journée et dans des circonstances météorologiques différentes.
Dans Le Parlement de Londres, soleil couchant, Monet se concentre sur l'atmosphère créée lorsque l'architecture est placée près de l'eau et imprégnée d'une lumière étrange. Les flèches gothiques des Chambres du Parlement ont presque réussi à percer le brouillard, mais elles sont encore réduites à une image vague qui ne crée pas un reflet fort dans l'eau. Le soleil et son reflet jettent une lueur chaude sur la scène et fournissent deux points focaux, l'un en haut du tableau et l'autre en bas. L'ensemble de l'œuvre adhère aux principes esthétiques de Monet et de l'impressionnisme, à savoir être agréable à l'œil.

Date de l'œuvre : 1902
Dimensions originales : 81.3 × 92.5 cm
Lieu de conservation : Collection privée

Saint-Georges-Majeur au crépuscule est un excellent paysage de Claude Monet. Il a été peint à l'automne 1908 à Venise où Monet et sa femme avaient voyagé dans leur propre voiture avec chauffeur. Ils ont d'abord séjourné au Palazzo Barbaro, puis à l'hôtel Brittania. C'est là qu'il a créé ce chef-d'œuvre.
La période au cours de laquelle Monet a créé cette peinture de paysage fluvial ou marin correspond au moment où il a commencé à perdre la vue à cause de la cataracte grise. À l'instar d'autres impressionnistes qui ont été affligés par la douleur ou la maladie, la souffrance semble les inciter à réaliser leurs plus grandes œuvres : Vincent van Gogh a créé son magnum opus Nuit étoilée alors que, tourmenté par sa dépression psychologique, Monet a peint celui-ci. Les couleurs bleues, jaunes et rouges vibrantes ont été utilisées par Monet pour dépeindre le coucher du soleil.

Date de l'œuvre : entre 1908 et 1912
Dimensions originales : 92,4 x 65,2 cm
Lieu de conservation : Musée national de Cardiff, Royaume-Uni

Le coup de pinceau léger et spontané de Monet crée des éclaboussures de couleur. Le voile de sa femme, qui est représentée dans ce tableau impressionniste, est emporté par le vent, tout comme sa robe blanche ondulante ; l'herbe ondulante de la prairie est reprise par le dessous vert de son ombrelle. L'herbe ondulante de la prairie est reprise par le dessous vert de son ombrelle. Elle est vue comme si elle était en bas, avec une forte perspective vers le haut, sur des nuages blancs et floconneux dans un ciel azur.
L'œuvre est une peinture de genre représentant une scène familiale quotidienne, et non un portrait formel. Femme à l'ombrelle tournée vers la droite a été peinte à l'extérieur, en plein air, et rapidement, probablement en une seule période de quelques heures.

Date de l'œuvre : 1886
Dimensions originales : 131 × 88 cm
Lieu de conservation : Musée d'Orsay, Paris, France

Vers la seconde moitié des années 1860, Monet commence à expérimenter les paysages enneigés. Il s'agissait peut-être d'un désir de peindre des scènes plus éphémères que ses autres paysages, en capturant la neige à la lumière du soleil avant qu'elle ne fonde.
Monet n'est pas le premier artiste à avoir été captivé par la neige. Gustave Courbet avait consacré beaucoup de temps à l'étude des paysages de neige dans ses œuvres.
Au cours de sa carrière, Monet a réalisé plus de 100 paysages de neige, la pie étant le plus célèbre d'entre eux. Il s’agit aussi du plus grand paysage de neige de Monet.

Date de l'œuvre : 1869
Dimensions originales : 89 x 130 cm
Lieu de conservation : Musée d'Orsay, Paris, France

Claude Monet a peint Les Coquelicots en 1873 où il s'est installé à Argenteuil avec sa famille jusqu'en 1878. C'est une période qui procure à l'artiste un grand épanouissement en tant que peintre, malgré la santé défaillante de Camille, sa femme. C'est à cette époque que les peintures en plein air de Monet commencent à se développer et cette œuvre particulière est exposée lors de la première exposition impressionniste en 1874.
Cette magnifique journée d'été est capturée dans toute sa gloire avec des fleurs éclatantes qui contrastent avec les nuages scintillants dans le ciel bleu dégagé. Dans le paysage, la mère et l'enfant au premier plan ainsi qu'un autre à l'arrière-plan sont une excuse pour dessiner la ligne diagonale qui encadre le tableau. Deux zones de couleurs distinctes ont été identifiées, l'une étant dominée par le rouge, l'autre par le vert bleuté. La jeune femme portant le parapluie et l'enfant à l'arrière-plan pourraient être la femme de l'artiste, Camille, et leur fils, Jean.
Monet dilue les contours et construit un rythme coloré avec des taches de peinture à partir d'un saupoudrage de coquelicots ; les taches disproportionnées du premier plan indiquent la primauté qu'il accorde à l'impression visuelle. Un pas vers l'abstraction a été franchi.

Date de l'œuvre : 1873
Dimensions originales : 50 x 65 cm
Lieu de conservation : Musée d'Orsay, Paris, France