Was ist Expressionismus?

Der Expressionismus ist eine emotionsgeladene Kunstbewegung des frühen 20. Jahrhunderts. Er stellte die traditionellen künstlerischen Techniken in Frage, indem er intensive Farben, verzerrte und übertriebene Formen und zutiefst subjektive Inhalte verwendete. Es gibt zwar viele expressionistische Künstler, aber Franz Marc, Max Beckmann, Egon Schiele, August Macke und Marianne von Werefkin gehören zu den bekanntesten. Jeder Künstler war von dem Wunsch inspiriert, seine inneren Gefühle und Emotionen auszudrücken, was ihn dazu veranlasste, rigoros mit verschiedenen Pinselstrichen, Farbpaletten und Leinwandformen zu experimentieren. Ihre Werke waren für die damalige Zeit revolutionär und gehören auch heute noch zu den inspirierendsten Kunstwerken.

Sie versuchten, mit ihren Werken allgemeingültige Emotionen und Stimmungen darzustellen. Anstatt sich auf die genaue Darstellung der Realität zu khttps://galeriemontblanc.de/blogs/articles/quest-ce-que-lart-abstrait" target="_blank" title="Art abstrait">abstrakte und verzerrte Formen, um Gefühle zu malen. Charakteristische Merkmale dieses Stils sind: klare Linien, dynamische Pinselstriche, extreme Übertreibung der Perspektive oder der Form, abgeflachte Ebenen von Formen, die mit einem starken Kontrast von Lichtquellen modelliert wurden, dunkle Farbpaletten und undeutliche Formen, die mit dem Werk verschmelzen. Der Malstil der Expressionisten zeichnet sich dadurch aus, dass sie die Emotionen der in jedem Werk dargestellten Personen erforschen. Mit intensiven Farben, verzerrten Formen, übertriebenen Strichen und unausgewogenen Kompositionen versucht der Expressionismus, bei den Betrachtern eher emotionale Reaktionen hervorzurufen als objektive oder greifbare Bilder. Er hatte einen großen Einfluss auf die moderne Kunst in der ganzen Welt und inspirierte in dieser Zeit zahlreiche Genres.

Franz Marc war ein deutscher Künstler, der mit der deutschen expressionistischen Bewegung in Verbindung gebracht wurde und für seinen vibrierenden und dynamischen Malstil bekannt war. Er glaubte, dass die Kunst einem höheren spirituellen Zweck dienen sollte, und verwendete oft lebhafte und kontrastreiche Farben, um einen inneren Impuls der Kreativität darzustellen. Seine Arbeit konzentrierte sich auf abstrakte Formen von Tieren und Landschaften, um mithilfe von Standbildern Emotionen zu erzeugen und hervorzurufen. Dies ist in seinen Werken Blaues Pferd I, Der Tiger und Die weiße Katze zu sehen. Marc sagte: "Das Auge muss geschult werden, das innere Wesen einer Sache wahrzunehmen und nicht ihre äußere Form. Auf diese Weise können wir frische Arrangements aus Linien und Farben schaffen, die unsere Gefühle als Kunsthandwerker ansprechen, ganz gleich, um welches Thema es sich handelt." Dieses Zitat fasst seinen Wunsch zusammen, den Betrachtern ein immersives Erlebnis zu bieten, indem er die Perspektiven rund um visuelle Themen in Frage stellt.

Max Beckmann leistete einen wichtigen Beitrag zur expressionistischen Bewegung. Sein Werk unterscheidet sich von anderen Expressionisten durch seine Affinität zu den traditionellen Techniken der Ölmalerei und figurativen Kompositionen, die zu dramatischen und emotionsgeladenen Werken führen, die oft tiefe psychologische Konflikte darstellen. Am bekanntesten ist er vielleicht für drei seiner Werke: Der Aufbruch, Frau mit Mandoline in Gelb und Rot und Stillleben mit schwarzem Plastik. Le Départ fängt einen leidenschaftlichen Abschied zwischen zwei Liebenden durch die Verwendung von Texturen und Hell-Dunkel-Kontrasten ein. Frau mit Mandoline in Gelb und Rot schildert eine Frau, die den Betrachter direkt ansieht und sich verzweifelt an ihre Mandoline klammert, als wäre sie ihr letzter Besitz. Stillleben mit schwarzem Plastik schließlich zeigt ein abstraktes Stillleben, das aus zufälligen Elementen wie Austern, schwarzen Plastikbechern, Tischdeckenmustern und Kleidungsstücken besteht und ein Gefühl der Verwirrung erzeugt, während es den Betrachter dazu bringt, seine eigene Sterblichkeit zu hinterfragen. Max Beckmanns Rolle im Expressionismus hatte einen großen Einfluss auf die Entwicklung der modernen Kunst - jedes seiner bemerkenswerten Gemälde hat den heutigen Betrachtern etwas Einzigartiges zu bieten.

Egon Schiele war eine wichtige Figur der Kunstbewegung des Expressionismus. Seine Werke und stilistischen Innovationen zeugen von einem tiefen Engagement für diesen neuen, auf Emotionen ausgerichteten Ansatz der Malerei. Seine bekanntesten Werke wie Die Umarmung, Sonnenblume 1908 und Selbstporträt mit über der Brust gefalteten Händen sind von verzerrten Formen, dunklen Stimmungen und vibrierenden Farben geprägt. Er verflachte die Raumebenen und übertrieb gleichzeitig die Winkel, was zu einem fast geometrischen Ansatz bei der Darstellung von menschlichen Körpern und Emotionen führte. Mithilfe dieser Techniken versuchte er, das Wesen der inneren Verzweiflung und Sehnsucht einzufangen, die mit diesem sich entwickelnden Stil verbunden waren. Durch seine Werke trug Schiele dazu bei, die abstrakte Kunst des 20. Jahrhunderts zu definieren, die sich vom Realismus wegbewegte, um die Tiefen der menschlichen Emotionen zu erforschen.

August Macke war ein Künstler, der stark mit der deutschen expressionistischen Bewegung in Verbindung gebracht wurde. Seine Gemälde hatten eine ausgeprägte, vibrierende Ästhetik, die dem Fauvismus ähnelte, und zeigten eine lebhafte Farbpalette in kühlen, gedämpften Tönen. Dieser Stil kommt in seinen Werken Innenhof des Landhauses in St. Germain, Vor dem Hutladen und Terrasse des Landhauses in St. Germain deutlich zum Ausdruck. Diese drei Gemälde verkörpern Mackes expressionistische Sensibilität; er entfernt sich von realistischen Darstellungen und verwendet stattdessen übertriebene Farben, um bei seinen Betrachtern Emotionen zu wecken. Hier ist die Wahrnehmung entscheidend; Macke möchte, dass wir uns auf die Erfahrung beim Betrachten seiner Kunstwerke konzentrieren und nicht auf die Szene selbst oder ihre Details - die dominanten Farben unterstreichen diese Idee und bieten eine Art Traumflucht für die Betrachter, die versuchen, die tieferen Bedeutungen einzelner Kunstwerke oder Renaissance-Stücke zu erfassen.

Marianne von Werefkin war eine der ersten Expressionistinnen und trug maßgeblich zu dieser Bewegung in Deutschland bei. Ihr persönlicher Malstil ist in ihren Werken deutlich zu erkennen, darunter Im Dorf. Dieses Ölgemälde, das zwischen 1909 und 1910 entstand, zeigt eine abstrakte Mischung aus Farben und Pinselstrichen, die alle miteinander verwoben sind und es schwierig machen, einzelne Objekte zu unterscheiden. Es vermittelt intensive Emotionen und bleibt gleichzeitig offen für Interpretationen - eine klassische Verwendung des Symbolismus in seiner Kunst. Ein weiteres Beispiel ist Die fantastische Nacht. Dieses 1910 fertiggestellte Werk enthält noch immer Elemente des Symbolismus, nutzt aber auch stark die Textur, um die Waldumgebung zu beschreiben, die sie mit kräftigen Blau- und Grüntönen malte. Sonnenaufgang schließlich, das sich dauerhaft in der Sammlung des State A Pushkin Museum of Fine Arts befindet, veranschaulicht einen heiligen Moment, indem es weiche, warme Gelb- und Violetttöne verwendet, die von dunkleren Farben an den Seiten kontrastiert werden und so ein Gefühl göttlicher Macht vermitteln. Von Werefkins Werke fingen die emotionale Intensität ein, die zur Zeit des Expressionismus vorherrschte, und zeigten, wie mächtig sein Einfluss auf die gesamte Bewegung war.